ALMADÉN: Fotografía

Mostrando entradas con la etiqueta Fotografía. Mostrar todas las entradas

miércoles, 28 de marzo de 2012

Ouka Leele es el pseudónimo artístico de Bárbara Allende Gil de Biedma (Madrid, 29 de junio de 1957), fotógrafa española, sobrina del poeta Jaime Gil de Biedma y prima de Esperanza Aguirre.

Fue una de los protagonistas principales de la Movida madrileña de comienzos de los 80. De formación autodidacta, destacan sus características fotografías en blanco y negro coloreadas y sus grabados. Mezcla las tradiciones españolas con un gran colorido típico de esta artista. Su prestigiosa obra se ha expuesto en ciudades como París, Londres, Tokio, São Paulo o Nueva York. En 2005, le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía.

Su nombre artístico tiene su origen en una obra del pintor «El Hortelano», un mapa de estrellas inventado completamente por él, en el cual aparecía la constelación llamada «Ouka Lele». Bárbara quedó maravillada por este cuadro y decidió que quería firmar sus obras así. Reforzada en esta decisión por su primer galerista, Albert Guspi, expuso desde entonces su obra bajo este pseudónimo, ligeramente variado en 1999 a «Ouka Leele».

Según sus propias palabras, Ouka Leele entiende la fotografía como «poesía visual, una forma de hablar sin usar palabras». Compañera de fatigas de artistas como Javier Mariscal, Ceesepe, Alberto García-Alix o Pedro Almodóvar, residió en Barcelona, Madrid o Nueva York desde su juventud. Superó un cáncer. Detuvo el tráfico del Paseo de la Castellana, en Madrid, con el fin de realizar la reconocida fotografía Rapelle-toi Bárbara tras concluir la serie Peluquería.

Su obra ha sido reproducida en multitud de revistas como Diorama, Photo Magazine, Telos, Dezine, o Reviste Actuel. Ha colaborado en casi todas las ediciones del festival ARCO, que alberga parte de su obra en su colección. Ha impartido talleres sobre su especialidad en festivales, centros culturales y universidades.

También ha realizado actividades de ilustración: en 1996 ilustró el libro de Concha García Campoy La doble mirada y en 2002 preparó una serie de dibujos y serigrafías para el Cantar de los cantares del Rey Salomón. En Ceutí (Murcia) ha realizado un mural al aire libre de casi 300 metros cuadrados denominado por la propia artista «mi jardín metafísico»; su única obra, hasta la fecha, de tales características.

En la actualidad, trabaja junto al director de cine Rafael Gordon en el montaje final de la película La mirada de Ouka Leele, cuyo estreno se espera para el próximo año, y que transcurre en gran parte en Ceutí, durante la elaboración de su mural. También está a punto presentar su nueva página web oficial, en la que se podrá encontrar actualizada gran parte de su obra y biografía. Ouka Leele acaba de ser nombrada Embajadora de la Candidatura de Segovia a Capital Europea de la Cultura en 2016.

La mirada de Ouka Leele

National Geographics Photography Contest 2010

22:56 Fotografía No comments

Aquí os dejo algunas de las fografías más hermosas del 2010 según NG. Espero que os guste

La disolución de la ciudad

0:48 Arquitectura, Fotografía No comments

Acontecimientos recientes me han hecho plantearme ciertos temas como la seguridad de nuestro hogar y los que requerimientos de las personas que habitan ese lugar. Cuando habitamos un lugar buscamos un espacio que nos proteja del exterior, una piel que nos envuelva y nos aisle pero qué requisitos tiene que tener esa piel.

Las personas buscamos espacios cerrados y a la vez abiertos, una casa que nos proteja pero con ventanas y a ser posible con jardines. Por supuesto esta contradicción no queda sólo en el ámbito del hogar y se acaba trasladando a la ciudad. Cuando pensamos en la ciudad siempre exigimos grandes espacios verdes, espacios abiertos donde relacionarnos, espacios que nos subgestionen y nos motiven para realizar actividades de ocio y cultura.

Esa delgada línea que une el hogar con la ciudad y que no se suele concebir como conceptos diferentes sino que suelen estar ligados estrechamente el uno y el otro, ciudad-vivienda.

Si analizamos el ámbito del hogar podemos encontrar diferentes tipos de cerramientos más o menos permeables como son los diferentes tipos de rejas (estas últimas de larga tradición en nuestro país y forman parte de nuestra cultura) comúnmente colocadas en la planta primera de cualquier casa y cuya función no es la de soporte de los geranios sino proteger de los intrusos.

Algo que me parece primordial a la hora de la elección es tener en cuenta que se evite intrusos pero a la vez se permita salir a las personas en caso de incendio por lo que ese descartan este tipo de rejas

Otros factores a tener en cuenta son quizás incluso más sutiles y casi imprescindibles como pueden ser la iluminación de nuestra vivienda, las cortinas, los vidrios elegidos, etc. Una vivienda bien iluminada puede tener sus ventajas y sus inconvenientes, ser un punto de atención pero al mismo tiempo una buena iluminación de las zonas exteriores o de ciertas habitaciones puede evitar que entren en nuestro hogar al estar demasiado "expuesto". La domótica en estos casos se presenta como nuestra aliada al brindarnos la posibilidad de controlar la cantidad de luz y las horas en que permanecen encendidas ciertas luminarias. Incluso un buen sistema de vigilancia puede permitirnos controlar a cualquier hora del día y de forma directa las diferentes zonas de nuestro edificio.

Trasladándonos al plano de la ciudad, la forma de diferenciar los espacios cerrados de los abiertos cambia bastante. Quizás haya que hacer un inciso para recordar las enseñanzas de los grandes arquitectos contemporáneos como Wright o Le Corbusier, en sus teorías de cómo diseñar ciudad que hasta hace poco me parecían demasiado utópicas está la base para intentar construir una ciudad en la que el diseño arquitectónico añada orden a la sociedad que la habita. La arquitectura ordenará sutilmente los espacios y las relaciones que se establezcan entre esas personas, controlando en medida de lo posible esas relaciones y los futuros desarrollos, cosa que dicho así suena a un imposible puesto que la ciudad es un ente cambiante y cada vez lo hace a una mayor velocidad.

¿Qué es entonces lo que puede hacer el arquitecto? Creo que llegados a este punto el control del espacio público o mejor dicho, del espacio donde se establecen esas relaciones sociales se hace imprescindible. El diseño de los espacios abiertos se presenta como un reto al arquitecto. Debemos diseñar espacios en los cuales durante el día se puedan establecer esas conexiones y a la vez evitar la invasión y la destrucción de ese espacio durante la noche. Permitir diferentes grados de intimidad dentro de ese espacio valiéndonos de los materiales e instrumentos que tengamos a nuestra disposición. El poder jugar un niño es un parque, unos ancianos disfrutar de un atardecer o unos compañeros de sus copas en el kiosco pueden ser algunos de esos ejemplos. Quizás si digo esto no se me entienda pero los proyectos de landart en este caso pueden ser la base sobre la que se experimente y se consigan soluciones hasta ahora no utilizadas que permitan esa permeabilidad de espacios y a la vez la división de los mismos. El uso del color, de la iluminación, de los cerramientos o del pavimento será la clave para resolverlo.

Como muestra de ello paso a dejar algunos de esos ejemplos y pasaré a desarrollar posteriormente el caso de la plaza actualmente.

Fotografias en la hora azul

0:50 Fotografía No comments

Ultimamente tengo la sensación que la gente que se dedica profesionalmente a la fotografía, me refiero a los afortunados que cobran por sus fotos, les encanta utilizar términos por mí desconocidos y la hora azul ha sido uno de ellos.

El sol al salir esta mas cerca del horizonte y la luz tiene que atravesar mas particulas por eso vemos mas rojos y naranjas que blancos o amarillos.

En cuanto al color del cielo, algo que leí y puede ser de interés:

El color azul del cielo se debe a la dispersión de Rayleigh. Este tipo de dispersión involucra numerosas partículas pequeñas. Cuando la luz blanca incide en las moléculas de aire (cuyo tamaño es más pequeño que la longitud de onda de la luz visible), estas dispersan más las longitudes de onda que corresponden a los colores azul y violeta que las que corresponden al rojo y amarillo. Como nuestros ojos son más sensibles al azul, vemos el cielo de este color. ¿Cómo veríamos el cielo en ausencia de atmósfera? Color negro. Ya que en ausencia de gases atmosféricos no habría dispersión.

Al mediodía sólo una pequeña cantidad de radiación de luz visible es dispersada, ya que la luz atraviesa una capa delgada de atmósfera (los rayos del sol llegan verticales). Por ello el sol al mediodía es blanco. Pero al atardecer, deberán atravesar un mayor espesor de la atmósfera. Cuando el ángulo del sol es de 4º respecto del horizonte, la atmósfera que atraviesa es 12 veces más espesa que la que debe atravesar al mediodía. Por lo tanto, mucha más luz azul y verde será dispersada y sólo las longitudes de onda correspondientes al amarillo, naranja y rojo llegarán hasta nuestros ojos. Por ello los amaneceres y atardeceres en una atmósfera limpia serán anaranjados (por ejemplo después de una lluvia). Pero en una atmósfera poluta, la presencia de una mayor cantidad de partículas y aerosoles de mayor diámetro que los gases atmosféricos, dispersarán las longitudes de onda correspondientes al amarillo y verde, en adición a la azul. El sol por lo tanto se verá de color rojo. Más aún, si la atmósfera está muy contaminada el color rojo también se dispersará y el sol saldrá o se ocultará por el horizonte sin color.

Las partículas más grandes (por ejemplo los cristales de hielo o las gotas de agua) no siguen la fórmula de Rayleigh. Su dispersión se llama dispersión de Mie (por el físico alemán Gustav Mie, quien la descubrió en 1908). La luz es dispersada de la misma manera para todas las longitudes de onda y por lo tanto es blanca. Esto explica la blancura de las nubes. El humo del cigarrillo aparece azul, pero cuando el humo es expulsado de la boca aparece blanco. Esto se debe a que se mezcla con gotas de agua

Vía: [Enlace a la información]

Fotografías: [Irene Ortega Amezcua. Flickr]

Light-Painting

15:08 Fotografía No comments

Light-Painting, una curiosa forma de capturar la realidad a partir de distintos efectos de luz. Quizás uno de los primogénitos de esta técnica fué Eric Staller, un artista neoyorkino de los 70 que literalmente dibujaba con la luz. Esa técnica se llama Light-Painting. La base de estas instantáneas es la obtención de distintos tipos de dibujos a partir de las luces y es por eso que por lo general en este tipo de imágenes el tiempo de exposición –más largo- es una de las claves para lograr buenos resultados. Como suele suceder en estos casos, la técnica a primera vista parece bastante sencilla aunque luego en la práctica hace falta una buena dosis de experiencia para manejar el obturador en forma precisa y entonces dar tiempo a dibujar con las luces.

Quienes realmente saben como jugar con los efectos de luz son Jan Leonardo Wollert y Jorg Miedza quienes desde LAPP (Light Art Performance Photography) nos dan una interesante lección de Light-Painting. Para conseguir estas fotografías, los fotógrafos utilizan el modo bulb de las cámaras, permitiendo e impidiendo el paso de la luz. Otro punto importante son las fuentes de luz, que en este caso son de lo más variadas y coloridas.

Imágenes: [Trabajos de Jan Leonardo Wollert y Jorg Miedza]

Partimos de la base de que para lograr el efecto de la silueta con luz necesitamos un tiempo de exposición largo. que se moviese lo imprescindible Tras disparar corrí a colocarme a su espalda móvil en mano.Usé el resplandor de la pantalla de mi móvil como “lápiz de luz”.

Expo_Foto_Margarita_09

17:43 Fotografía 2 comments

Hace ya un tiempo se me requirió para participar en una exposición fotografica en nada menos que Isla Margarita en Venezuela. Esta invitación vino de parte de Alfonso Mejias Campos oriundo de esa isla y gran amante de la fotografía. La idea de dicha exposición era recolectar y exponer fotos de todos los lugares del mundo para dar un poco a conocer las diferentes ciudades y puntos de vista de los fotografos. Evidentemente ante tal invitación no tuve más remedio que decir que sí y hace cosa de unos día me ha reportado la información con el flick donde están colgando las fotos que se van a exponer y los procesos que están pasando para pedir el lugar de exposición, etc.

Desde España, al igual que mis compañeros, quiero dar todo mi apoyo a una idea como esta y felicitar a Alfonso por su labor.

Vía: [enlace]
Irene Ortega Amezcua cc
Soldador

Vía: [enlace]
Irene Ortega Amezcua cc
La laguna

Vía: [Enlace al flickr del Evento]

Gordon Matta-Clark (1943-1978)

23:44 Arquitectura, Fotografía No comments

La carrera de Gordon Matta-Clark (Nueva York, 1943-1978), hijo del pintor surrealista chileno Roberto Matta, fue corta e impactante después de darse a conocer por sus cuttings, transformaciones de edificios mediante cortes o extracciones de fragmentos de edificios.

Gordon Matta-Clark estudió arquitectura en la Universidad de Ithaca en el Estado de Nueva York y literatura en París, pero decidió ser artista y no ser ni ejercer de arquitecto. Como tal, desarrolló entre 1970 y 1978 el corpus de obra más complejo del último tercio del XX, abrumadoramente no objetual, y trabajó como ningún otro en la urgencia de los cambios económicos, políticos, sociales y culturales que la crisis sesentayochista había evidenciado. Se trata de un artista poliédrico, energético, dinámico, explosivo, extremadamente inteligente e intuitivo, que cuando a finales de los años sesenta irrumpe en la esfera artística de Nueva York, lo hace con los títulos y avales de propiedad de primer beneficiario de la herencia de los años sesenta: pop, minimalismo y conceptualismo. Sobre la base que configuraron esos tres grandes movimientos construye un entramado reticular, política y artísticamente articulado, de crítica institucional, generando experiencias colectivas en el interior del espacio público.

Su trabajo refleja desde sus comienzos su preocupación por los nuevos modos culturales en la vida cotidiana y por las nuevas subjetividades e identidades políticas posteriores a 1968: trabajando con basuras, ofreciendo oxígeno a los transeúntes de Nueva York, abriendo un restaurante gestionado y dirigido por artistas, poniendo en tela de juicio la propiedad privada del suelo... o subiéndose a la Clocktower para, colgado de su reloj, proceder a afeitarse, ducharse y lavarse los dientes.

Todas esas acciones tenían lugar en tiempo real, acotado y preciso, fuera de los sacralizados recintos de galerías o museos, pero previo a ellas realizó miles de dibujos, anotaciones y libretas de trabajo que, a la manera poussiniana, implican que concebía el dibujo como la imagen interior del proyecto. Del mismo modo, prácticamente todas sus acciones e intervenciones en edificios fueron fotografiadas, filmadas o grabadas en vídeo, y el modo en que las registraba estaba en perfecta coherencia con el discurso general que trataba de construir.

En donde realmente Matta-Clark dio el gran salto fue en sus trabajos con la arquitectura y el espacio. No veía en los edificios más que unas esculturas con tuberías y, en una sucesión de metáforas dentro de otras, buscó espacios internos más allá de la geometría construida. "La auténtica naturaleza de mi trabajo con edificios está en desacuerdo con la actitud funcionalista, en la medida en que esa responsabilidad profesional cínica ha omitido cuestionar o reexaminar la calidad de vida que se ofrece".

Las intervenciones en edificios (cortándolos, seccionándolos, troceándolos, agujereándolos, desplazándolos) le permitieron materializar ideas sobre el espacio que él intuía desde una dialéctica personal (designar espacios, crear complejidad). Las dualidades que fue descubriendo, impecablemente reflejadas en sus montajes fotográficos (vertical/horizontal, interior/exterior, vacío/lleno) resumen en términos de experiencia estética más de 2.000 años de ideas filosóficas sobre el espacio.

Esos cortes conforman una suerte de narración gráfica y textual que explica tanto el proceso de la obra como su contexto interno. Sus viajes al subsuelo de la ciudad pretendían descubrir espacios sin nombre, lugares ocultos: "Tengo interés en una expedición al subsuelo: una búsqueda de los espacios olvidados y enterrados bajo la ciudad... Esta actividad debería sacar el arte de la galería e introducirlo en las cloacas".

Su interés por los espacios in
termedios, por los contenedores corporales y sociales, por la degradación urbana y los edificios okupados le permitieron trascender el conflicto que mantuvo con la Institución Arquitectura. Uno de los primeros episodios de dicho conflicto lo protagonizó al ser invitado a participar en una exposición en la Cooper Union. En este caso, su obra consistió en el desmontaje de las ventanas del lugar de la exposición para poner en su lugar fotografías de las ventanas reventadas de edificios degradados del Bronx, y sucedió que las ventanas fueron repuestas, la participación de Matta-Clark cancelada y que Peter Eisenman le acusó indirectamente de nazi. Este conflicto continúa hasta hoy y se hace visible cuando, por ejemplo, este artista sigue estando vetado en las bienales de arquitectura de Venecia.

Matta-Clark es el gran artista del espacio -éste fue su material de trabajo y proyecto-, de sus vacíos, no sólo del arte de las últimas décadas sino de lo que hoy conocemos como historia del arte. Muy inteligentemente estuvo al margen de las, aún hoy, difíciles -por no decir imposibles- relaciones artista/arquitecto, operando directamente sobre los sólidos construidos. "Los arquitectos construyen, los artistas destruyen", afirmaba Dan Graham a propósito de la obra de Matta-Clark.
En todo caso, su obra, que él se encargó de definir como hermenéutica marxista, posee la belleza convulsa de un tiempo de crisis vivido desde la lucidez. Matta-Clark es un antihéroe moderno y uno de los primeros artistas de la posmodernidad. Él, en definitiva, transformó en arte lo que las organizaciones ciudadanas, partidos y sindicatos no querían, no podían u olvidaban hacer: perseverar en el proyecto moderno de emancipación. Más que poner el dedo en la llaga, hundió, con toda la generosidad imaginable, sus manos y su cabeza en las heridas sistémicas del capitalismo tardío. Por eso es un artista ineludible a la hora de entender el arte de los últimos cuarenta años.

A punto de inaugurarse la exposición que le dedicará el Museo Reina Sofía y a pesar de que tres de las grandes exposiciones de Gordon Matta-Clark han pasado por España y de que toda su filmografía ha sido también proyectada en nuestro país, que nadie interesado en los momentos constituyentes de la contemporaneidad artística se la pierda, pues podrá encontrar importantes claves para comprender nuestro presente.